Mis obras son un desafío constante a las restricciones tradicionales, buscando expandir las posibilidades del diseño y la creatividad. En cada pieza, los límites de la realidad se desvanecen, abriendo un universo de nuevas perspectivas y experiencias.

En mis proyectos me gusta crear conexiones entre los objetos encontrados y mis vivencias. Trabajo el collage porque me permite combinar imágenes, objetos y cualquier elemento de mi cotidianeidad, resignifico los recuerdos y le doy un final feliz a cada cosa que me rodea.

Mi curiosidad por la fotografía llega en el año 2015, de casualidad, cuando me prestan una cámara de fotos y descubro la profundidad de campo al fotografiar una flor. Desde entonces, la cámara siempre me ha acompañado.

Hija de un mar del sur. Padre actor y poeta. Madre maestra. Hermano de sol. Escribo desde pequeña. En 1998 me asomo a la fotografía, cuestionándome si ésta puede cambiar al mundo y a mí misma.

Cada pincelada y cada aerosol en sus obras cuentan una historia, ya sea un relato íntimo de amor y pérdida o una narración social sobre las luchas y triunfos de la humanidad. Mho Dueñas se sumerge profundamente en la exploración de la condición humana, capturando momentos fugaces y emociones efímeras en lienzos que se convierten en testigos silenciosos de la vida misma.

Ana Tornel, después de completar una formación profesional sobre la Nueva Fotografía en el Centre Iris de París, Ana Tornel sigue desarrollando su carrera como fotógrafa independiente, generando contenido que se publicará en medios de comunicación y se exhibirá en diversas exposiciones.

La obra y con ella, Asensio apela a nuestra inteligencia emocional de forma vitalista, solar y lumínica. Esta expresividad provoca un impacto psicológico venturoso en el espectador y, a su vez, le exige que se detenga, al menos un momento, para la contemplación.

Pantagruel transporta a la reflexión y la catarsis a través del pensamiento, en un viaje a través del mundo de las ideas. Ideas en el sentido filosófico de la palabra que, desde Platón hasta nuestros días, hemos ido compartiendo de una forma bella y poética a través del arte. Dice el filósofo alemán Markus Gabriel en su libro “El poder del arte” (2018), que fue nuestra capacidad de crear arte la que nos hizo humanos.

Aprendí que una fotografía puede ser tanto el destino final de nuestra expresión creativa como el punto de partida para nuevas aventuras artísticas. Comprendí que cada fotografía lleva impreso el sello único del fotógrafo, reflejando no solo lo que está frente a la lente, sino también la mirada y el alma del que la captura.

Toni Marmota is a comic author, painter, illustrator, photographer, video artist,... a multidisciplinary artist who belongs to the cultural movement "La Movida", he combines these multiple facets with music playing bass in the band La Frontera.

Rocío Bueno explora las limitaciones del medio fotográfico en su intento de atestiguar, expresar y construir memoria. En sus obras utiliza la fotografía en combinación con otras artes visuales, tales como el dibujo, la pintura o el collage.

Francisco Carmena Sánchez (Toledo, 1996) es un artista plástico que trabaja en torno al ámbito de la Pintura, la Escultura y el Dibujo. Desde un principio mostró su posicionamiento hacia el Surrealismo o el Lowbrow, siendo notorio en sus primeros proyectos artísticos mediante una estética íntimamente ligada al cómic y al grabado. La creación de escenarios distópicos situados en un supuesto futuro "post - ominum" ocupa gran parte de su temática.

Judas Arrieta es un destacado artista contemporáneo español conocido por sus habilidades en diversas disciplinas artísticas, incluyendo pintura, dibujo, escultura, murales, videoarte e instalaciones.

Actualmente trabajo en un estilo bastante pop con un toque de surrealismo. Mi iconografía está formada por todo tipo de referencias culturales y mediáticas presentes en el inconsciente colectivo (marcas, personajes, objetos o textos) aunque descontextualizadas, para darles un nuevo significado a través del diálogo creado entre ellas.

Tamara Jacquin es una artista chilena radicada en Madrid con formación en arquitectura, diseño de interiores y artes visuales. Su práctica interdisciplinar abarca escultura, instalación, pintura, textil, video- performance y fotografía.

Un espacio geométrico (matemático) que el público percibe como un espacio sensorial y vivencial, dando lugar a reflexiones que nacen no sólo de la contemplación sino, principalmente de la experiencia del espacio de cada sujeto. Me interesa aprovechar las especificidades de los lenguajes plásticos, donde textura, materia y forma contienen narraciones propias.

Las obras expuestas fueron todas realizadas en el taller de grabado de EST_ART Space en Alcobendas 2020 -2022. A partir de un mantel bordado por mi madre (1954) surge esta serie expuesta.

María del Carmen Díez Muñoz es una artista visual enmarcada en el ámbito de la obra gráfica contemporánea, especializada en grabado a buril y técnicas de estampación múltiples.

El bodegón es un género fotográfico que hoy en día ocupa poco espacio en el espectro fotográfico si se compara con la fotografía de calle, el paisaje o el retrato. Pero siempre ha estado ahí desde los inicios de la fotografía. Yo reivindico el bodegón. Siempre me han llamado la atención aquellos objetos cotidianos que vemos cada día en casa y que casi nunca merecen una foto.

Sus proyectos giran en torno a ese pensamiento, transmitiendo y generando esa incomodidad a un gran colectivo de la sociedad. Para ello utiliza un lenguaje onírico y surrealista en el la metamorfosis humano - animal suele ser recurrente.

Alfredo Velasco es un artista que destaca por su habilidad para transformar objetos de uso cotidiano en originales obras de arte. Su proceso creativo comienza buscando y seleccionando los materiales: herramientas viejas, hormas, bolsos, gafas, dentaduras o juguetes, que pasarán a contar una nueva historia.

A lo largo de su trayectoria, Roger Olmos, ha ilustrado mayoritariamente para un público infantil y juvenil, pudiendo poner imagen a situaciones políticamente incorrectas que le ha permitido ejercer un efecto sanador, “tapando las heridas con mercromina” pero aumentando la evidencia del desastre al teñirlo todo de rojo.

Sus últimos proyectos se centran en la preocupación personal por el estado de nuestro medio ambiente dada la vorágine y la voracidad de la sociedad actual y el poco interés que parece mostrar el ser humano por cuidar su hogar común. De ahí la necesidad de establecer una profunda reflexión sobre la relación del hombre y su entorno natural, defendiendo el hecho de que una nueva sensibilidad debe imponerse en dicha relación. Se evidencia la necesidad de recuperar y repensar nuestra posición dentro de la naturaleza.

Mi trabajo adquiere una extensión multidisciplinar, donde mi faceta creativa se centra en la composición fotográfica, así como en el diseño conceptual de vestuario y accesorios de modo artesanal y minucioso, otorgándole un énfasis especial a la fabricación de las máscaras para cada sesión.

Centro mis trabajos en la fotografía documental, específicamente en la exploración de la naturaleza en su multiplicidad de colores, texturas y formas, y en el reportaje en blanco y negro.

Soledad Pulgar rescata objetos y lugares abocados al silencio, detiene su mirada allí donde el ser humano interfirió con cometidos concretos, generando paisajes inconscientes, que quedan perpetuados en el fondo de su retina. Haciéndonos partícipes de ese carácter intimista propio, que observa en silencio y reflexiona sobre las huellas que abandonamos.

Como artista, me considero la inevitable consecuencia de toda la ciencia-ficción clásica que ha caído en mis manos. De mi fascinación por los mundos donde nada ha de ser lo que se espera, donde todo es posible y donde cualquier historia puede ser contada de otra manera. Donde lo inerte es la base para crear vida y donde el futuro es esperanzador.

Me inspiro sobre todo en la importancia del recuerdo emocional, esculpiendo en mármol, granito y piedras calizas una serie de esculturas basadas en objetos o “cosas” hechas por y para el “Hombre”, objetos que siendo comunes para todos tienen una connotación individual para cada uno, llevando a cada espectador a recorrer una serie de recuerdos y sensaciones que a veces se creían olvidadas pero que en el subconsciente están arraigadas de forma pétrea.

Las piezas que presento son parte de una trayectoria artística de amplio recorrido nutrida de experiencias vitales, retazos de amor y desamor, hilos de vida, experimentación y mucho universo femenino. Son un pretexto para reflexionar sobre las pulsiones humanas, las mismas que sufrimos todas las personas.

Juli About: "El corazón, como todo en el exvoto, es una forma de hablar con del cuerpo entero. La parte por el todo. Una metonimia, una sinécdoque. Pero la metonimia es global. Somos parte del todo. Una parte de un paisaje. El cuerpo es un paisaje dentro de un paisaje, una especie de exvoto de toda la naturaleza. Por eso cuidarnos es fundamental; de nosotros mismos, de los demás, como fragmento del todo. Es una explosión de resonancia"

Cada dibujo alberga un pequeño mundo de dos caras: la visible, lujosa y en ocasiones inocente, con otra mucho más oscura, enigmática y profunda, que se revela como sí lográramos sumergirnos en la profundidad de la imagen que nos devuelve el espejo.

En las piezas de Ksenia Shinkovskaya, se aúna contemporaneidad y tradición, junto con elementos naturales insertados, como la madera o el cristal. Cargándolas de simbolismo trata de trasladar al espectador una versión de la historia de la humanidad en la que nada es superfluo, donde es necesario reencontrar un equilibrio entre el ser humano y la naturaleza.

Conjugaciones ordenadas con la deliberada intención de que no lo parezcan. Distorsiones que no soy capaz de racionalizar ni de entender, pero que sin embargo, veo a mi alrededor e intento transmitir en mi trabajo, tal vez porque no se hacerlo de otra forma. No me interesa mucho la realidad y sin embargo estoy totalmente seducido por la verdad.

Cada pincelada de Decamps está imbuida de una narrativa única, donde lo mundano se transforma en lo extraordinario y lo familiar se ve desde una perspectiva completamente nueva. Sus obras no son solo retratos, sino ventanas hacia un universo alternativo donde la realidad se distorsiona y se redefine a través de la magia de su creatividad. En su búsqueda por capturar la esencia de la vida contemporánea, Decamps nos invita a reflexionar sobre nuestra propia percepción del mundo que nos rodea.

Sin cursar estudios oficiales de Bellas Artes, aprendí a dibujar realizando algunos cursos de ilustración y cómic en la Escuela Superior de Dibujo Profesional de Madrid (ESDIP) y sobre todo de forma autodidacta, invirtiendo muchas horas.

La entelequia teatralizada se vuelve la seña de identidad de las criaturas que protagonizan mundos ficticios repletos de guiños a la realidad que nos rodea, bajo un análisis irónico y ácido que seduce y atrapa al espectador. Raíces barrocas aportan un toque especial a la iluminación y al agolpamiento de estímulos visuales, que entrelazan pasado y contemporaneidad.

A través del juego lumínico de luces y sombras, de foco y contraluz, en una puesta en escena casi teatral, el conjunto de mi obra hunde sus raíces en un lenguaje surrealista, onírico, simbólico que lanza sin filtros y sin que medien razones, ni razón, las imágenes que rescato de los recovecos del inconsciente.

El arte de Perrila es claramente feminista y emocional. La artista pinta mujeres fuertes y dulces a la vez, luchadoras pero también soñadoras, que emergen de su paleta de colores pastel donde predominan los tonos rosas, dispuestas a romper con el canon establecido.... "El rosa no es sólo para las princesas".

En ocasiones, para David Catá, su propio cuerpo se convierte en el soporte artístico de su entorno y vivencias. Los cosidos y fisuras realizadas sobre su piel son una metáfora de la indisoluble simbiosis entre el paso del tiempo y el olvido. Una obra que aspira a la conservación del tiempo pasado por medio de la huella memorial, corporal, fotográfica.

El trabajo de David Trullo se centra principalmente en la iconografía y los distintos niveles o contextos de la imagen y sus procesos de reproducción, representación y distribución, en torno a la reinterpretación, la reconstrucción, la alteración y la composición diálogos y confrontaciones sobre distintos aspectos de la sociedad contemporánea adscritos a iconografías ya existentes, resignificando textos, contextos y pretextos. Su mirada se dirige especialmente a cuestiones de representación del género.

Mis trabajos hablan de la necesidad de encontrar un lugar en el mundo, un territorio a perpetuidad. Del afán por trascender, salir fuera de nuestros límites y conquistar aquello que no alcanzamos a ver desde nuestra posición de par􀀅da. O del miedo a lo desconocido cuando cruzamos la frontera del hogar.

Me dedico al arte por la diversión que supone inventar mundos mejores que el real El mundo que ven mis ojos siempre es más fantasioso que el real y tengo un sentido del humor bastante ácido. La crítica social está presente en casi toda mi obra. [...]

La fotografía ha estado muy presente en su vida desde que era muy pequeña al estar constantemente por las cámaras de su padre. Desde la preadolescencia comenzó a capturarse a sí misma con constancia, casi como un juego. Se exploraba, capturaba su rostro desde distintos ángulos, posiciones, luces, espacios y los escrutaba al milímetro.

"Es un placer representar los más bajos instintos escondidos en sus contradicciones, ingenuidad, religión y violencia".

Aquí estoy, en medio de los ancianos, aquellos que están en los retratos, descansando en sus no-vidas, estáticos para la eternidad y que de repente, sin saber cómo ni por qué (como esos presos que salen de la cárcel tras toda una vida encerrados)

La obra de Enrique González es el resultado de una mezcla de influencias, de su pasión por la pintura, la luz y la sombra, por la perfección, la excelencia y el arte en todas sus vertientes, dejando siempre que su intuición dirija el rumbo de su camino. Su amor el arte clásico es profundo, especialmente hacia los artistas españoles e italianos del Renacimiento.

He desarrollado mi carrera profesional como ilustradora al mismo tiempo que mi trabajo de creación personal, lo que me ha permitido caminar libremente en una fina línea interdisciplinar, ilustrando, pintando, esculpiendo, pero siempre dibujando… y en esa fina línea he encontrado mi lugar.